CONFERENCIAS
MAGISTRALES

En el marco del 4to Encuentro Teórico Teatral Internacional ENSAD – ETTIEN, contaremos con seis Conferencias Magistrales a cargo de especialistas, investigadores académicos y académicas en las artes escénicas, los cuales, desde su expertise, abordarán distintos temas que giran en torno a la hibridación de lo performático en espacios públicos, el cuerpo coreográfico y su entorno de creación, espacios y escenografías, la dramaturgia del espacio y las experiencias intermediales en la escena, para concluir en la reflexión sobre la importancia de las escuelas de espectadores y su papel de agente fundamental en el campo teatral.

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Jorge
Dubatti
Felisa de Blas Gómez
davide
carnevali
Didanwy
Kent
Juan Ignacio Vallejos
ALFREDO
MIRALLES

Jorge Dubatti (UBA)

Las escuelas de espectadores (EE) surgen a partir de 2001 en Latinoamérica y desde 2020 constituyen una red internacional que reúne a 73 escuelas en diferentes países. La Escuela de Espectadores de Buenos Aires, pionera de este movimiento, cuenta ya con una trayectoria de 22 años. Se han abierto EE en Argentina, Bolivia, Brasil, Chile, Colombia, Costa Rica, Ecuador, El Salvador, España, Francia, México, Panamá, Paraguay, Perú, Polonia, República Dominicana, Uruguay, Venezuela. ¿Qué son las EE? ¿Para qué sirven? ¿Cómo trabajan cada una y en sinergia entre ellas? ¿En qué se relacionan y en qué se diferencian? La conferencia se propondrá responder estas interrogantes y conectar las EE con el movimiento internacional de reivindicación y auto-reivindicación de las/los espectadores como sujetos complejos, sujetos de derechos y agentes fundamentales del campo teatral.

Conferencia Magistral

Título: “Qué son y para qué sirven las escuelas de espectadores y la Red Internacional de Escuelas de Espectadores”

Las escuelas de espectadores (EE) surgen a partir de 2001 en Latinoamérica y desde 2020 constituyen una Red Internacional que reúne a 73 escuelas en diferentes países. La Escuela de Espectadores de Buenos Aires, pionera de este movimiento, cuenta ya con una trayectoria de 22 años. Se han abierto EE en Argentina, Bolivia, Brasil, Chile, Colombia, Costa Rica, Ecuador, El Salvador, España, Francia, México, Panamá, Paraguay, Perú, Polonia, República Dominicana, Uruguay, Venezuela. ¿Qué son las EE? ¿Para qué sirven? ¿Cómo trabajan cada una y en sinergia entre ellas? ¿En qué se relacionan y en qué se diferencian? La conferencia se propondrá responder estos interrogantes y conectar las EE con el movimiento internacional de reivindicación y auto-reivindicación de las/los espectadores como sujetos complejos, sujetos de derechos y agentes fundamentales del campo teatral.

Viernes 21 de Octubre

Hora: 07:00 p. m.
Lugar: Teatro Roma
Actividad abierta al público en general

Felisa de Blas Gómez (RESAD)

Arquitecto por la Escuela Técnica Superior de Arquitectura de Madrid (ETSAM) 1987. Doctor en Arquitectura por la ETSAM 2005, título de la tesis: La componente espacial en el espectáculo teatral, máster en Métodos y técnicas avanzadas de investigación: “Teatro, cine y espectáculo en la gran Vía madrileña 1910-1939”, es profesora titular en la especialidad de Escenografía de la Real Escuela Superior de Arte Dramático de Madrid donde imparte, entre otras, la cátedra de video-escena y es profesora de Expresión Gráfica Arquitectónica de la Escuela Técnica Superior de Arquitectura de Madrid. Actualmente, ostenta la jefatura del Departamento de Plástica Teatral de la RESAD. Es miembro electo del consejo editorial de la revista de investigación teatral Acotaciones y es par académico de publicaciones de la revista Estoa.

Conferencia Magistral

Título: “Problemática de la investigación en artes escénicas: Historias de espacio y escenografía”

La investigación en artes escénicas en la última década ha experimentado un auge significativo. En esta intervención, analizaré los enfoques de los investigadores que defienden una íntima unión de esta investigación con la creación. Y también sopesaré la necesidad o no de separación entre el objeto y el sujeto de la investigación y su problemática, atendiendo a la cuestión primordial derivada: ¿qué puede ser considerado investigación en artes escénicas? Además, y a modo de ejemplo de investigación en artes escénicas, entraré en el campo de la escenografía señalando algunos los hitos fundamentales en el proceso de significación que ha experimentado el espacio escénico-escenográfico desde finales del siglo XIX. Significación que ha situado al teatro como el laboratorio central de las artes para la “materia” espacio. Se estructurará este camino desde el espacio matérico de Antoine al espacio psicoplástico de Svoboda. También, en la medida de lo posible, se dará alguna pincelada con los descubrimientos revolucionarios de Appia y Craig, las aportaciones de las primeras vanguardias, el papel de Artaud, el empeño de las segundas vanguardias y el papel los escenógrafos-directores de finales del siglo XX y principios del siglo XXI.

Viernes 21 de Octubre
Hora 02:30 p. m.
Lugar: Virtual / transmisión en sede Miraflores
Actividad abierta al público en general

Davide Carnevali (UAB)

Autor, director, teórico. Actualmente es artista asociado en el Piccolo Teatro di Milano. En el bienio 2020-21 ha sido director del curso internacional de la École des maîtres; en el bienio 2021 -22 es tutor del curso Autores Under 40 de la Biennale di Venezia Teatro. Es doctor en Artes Escénicas por la Universitat Autònoma de Barcelona, con un período de estudios en la Freie Universität Berlin. Es profesor de Dramaturgia y Teoría en el Institut del Teatre de Barcelona y en la Scuola Paolo Grassi de Milán e imparte cursos en diferentes centros académicos e instituciones. Ha escrito, entre otros: Variazioni sul modello di Kraepelin (Premios Stückemarkt Theatertreffen 2009; Marisa Fabbri 2009; Journées des auteurs 2012); Sweet home Europa (Schauspielhaus Bochum, 2012); En 2018, ha recibido el Premio Hystrio alla Drammaturgia por su carrera.

Conferencia Magistral

Título: “Fumar en un lounge y pasearse en un museo: dramaturgia del espacio y experiencia del público”

En una época en la que el diálogo entre teatro y sociedad pasa por una crisis profunda, la relación entre práctica artística y dimensión pública se convierte en uno de los pilares fundamentales del discurso sobre las artes performativas. El espacio arquitectónico del teatro dialoga con el espacio urbano en el que se ubica y con la comunidad a la que se dirige; mientras que la conformación del espacio escénico condiciona la recepción y la experiencia del espectador. A partir de estas ideas, diferentes propuestas dramáticas y espectaculares han surgido en los últimos años en las carteleras europeas. Y de estas premisas nacen también dos montajes, Lorca sogna Shakespeare in una notte di mezza estate (ert, 2019) y Ein Porträt des Künstlers als Toter (Staastsoper unter den linden, 2018 / Piccolo teatro di milano, 2022), donde la actividad del público es central. El primero es un espectáculo de teatro participativo, en el que llevamos al escenario a 13 espectadores para que actúen Lorca y Shakespeare. En el segundo, se invita al espectador a pisar la escenografía a través de un dispositivo de uso museístico, en el que se revela el artificio teatral. Es necesario que el individuo reflexione sobre los mecanismos que regulan la construcción de las ficciones y las historias – pedía Brecht. De la misma manera – remataba Walter Benjamin – que debería reflexionar sobre la construcción del relato político y de la historia. Es pues a partir de una reflexión sobre memoria histórica, que queremos investigar el papel y las funciones del teatro en la sociedad de hoy en día.

Martes 18 de Octubre
Hora: 2:30 p. m.
Lugar: Virtual / transmisión en sede Miraflores
Actividad abierta al público en general

Didanwy Kent (UNAM)

Facultad de Filosofía y Letras de la UNAM. Es tutora en los Posgrados de Música, y de Artes y Diseño de la UNAM en los que se ha desempeñado también como profesora, así como del Posgrado en Historia del Arte en el que actualmente funge como tutora y docente. Sus temas de interés investigativos han girado en torno a las diversas manifestaciones de las artes escénicas en particular la ópera, pero también las prácticas artísticas contemporáneas. De manera especial le interesa el desarrollo de los planteamientos teóricos, metodológicos y filosóficos relacionados con dichas artes, en particular los estudios performativos, intermediales y los estudios de la imagen. Miembro fundador y coordinadora del Seminario Permanente de Estudios de la Escena y el Performance (SPEEP) desde 2013. Es coordinadora del Aula del espectador de Teatro UNAM bajo la dirección del Dr. Jorge Dubatti.

Conferencia Magistral

Título: «Experiencias intermediales en la escena: comunidades sensoriales en tiempos de contingencia»

Descripción: partiendo de la noción de experiencia desde la doble polaridad que este término convoca, como sedimentación de lo vivido y como apertura a lo desconocido, esta conferencia abordará los procesos que en tiempos de contingencia hemos vivido las comunidades sensoriales del teatro. Trazando como categoría central de análisis el concepto de comunidades sensoriales, definidas como “grupos de personas que comparten formas comunes de usar sus sentidos y de dar sentido a las sensaciones” (Vannini, Waskul, y Gottschalk) plantearé una mirada crítica a las experiencias intermediales de la escena. La distinción entre comunidades sensoriales estables y comunidades sensoriales efímeras, desde las características particulares y la especificidad de éstas, nos permite abrir preguntas tales como: ¿de qué manera se han modificado nuestros modos de sentir durante y tras las experiencias transmediales? ¿de qué manera han impactado los repertorios sensoriales de esas experiencias los convivios teatrales en la actualidad? ¿qué desafíos enfrentan las comunidades sensoriales estables ante las comunidades efímeras de espectadores hoy? Pensar el teatro desde sus comunidades sensoriales como estructuras de organización humana que permiten ensayar la vida, como espacios lúdicos para imaginar futuros, nos sitúa ante la tensión entre la utopía y el mundo actual que pareciera insistir en escenarios distópicos como única posibilidad.

Lunes 17 de Octubre

Hora 4:45 p.m.

Lugar: Teatro Roma

Actividad abierta al público en general

Juan Ignacio Vallejos (UBA)

Es doctor en Historia y máster en Ciencias Sociales por la Escuela de Altos Estudios en Ciencias Sociales de París. Su investigación gira entorno a la relación entre danza, performance y política desde un enfoque histórico y teórico crítico. Es Investigador Adjunto del CONICET de Argentina, coordinador del Área de Investigaciones en Artes Performáticas del Instituto de Artes del Espectáculo de la UBA y docente de la licenciatura en composición coreográfica de la Universidad Provincial de Córdoba. Ha sido conferencista invitado en la Universidad de Lille, la Temple University, la New York City University y la New York University. Sus artículos han sido publicados en las revistas Dance Research Journal, Debate Feminista, Perspectives (INHA), Repères – Cahier de danse, Eadem Utraque Europa, Aletheia y Aisthesis, entre otras. También dirigió y contribuyó a varias obras colectivas, entre ellas, el Bloomsbury Companion to Dance Studies (2019).

Conferencia Magistral

Título: «Tres tesis sobre lo coreográfico»

La coreografía entendida como una dimensión específica del orden social ligado a elementos propioceptivos, cinéticos y empáticos (Foster) ha sido teorizada a partir de la idea de dispositivo como una forma de captura del movimiento libre (Lepecki). El pasaje de la coreografía a lo coreográfico supone subrayar su componente agónico, entendiéndolo como un campo de lucha en continua redefinición. Así, en principio, se propondrá entender a lo coreográfico como a una dimensión en donde lo político (Mouffe) se entrelaza con el movimiento de los cuerpos. En una segunda instancia, abordaremos el lugar que la historia ocupa en la definición de una teoría política de la danza. A partir de los aportes de Mark Franko, entendemos que la concepción de la escena teatral como un espacio liminal, permeable a las prácticas socioculturales, implica la interpretación y resignificación de una historia específica. La construcción histórica de las prácticas escénicas en Occidente desborda e impregna la política, transformando su estudio en un insumo fundamental para la teoría. Por último, abordaremos la relación sincrónica de lo coreográfico con el entorno. Si la práctica coreográfica supone un tiempo que construye espacio (Martin, Spanberg) de forma autopoiética, su concepción en los términos de una simpoiesis (Haraway) como un sistema de producción colectiva con límites indefinidos, se abre a una conceptualización diferente del sujeto danzante. Los tres enfoques descritos proponen anudar las dimensiones sociopolítica e histórica a una concepción porosa de la subjetividad danzante que sintetiza lo coreográfico.

Miércoles 19 de Octubre

Hora 7:00 p. m.
Lugar: Teatro Roma
Actividad abierta al público en general

Alfredo Miralles (UC3M)

Gestor cultural, docente y artista, máster en Innovación Educativa (Universidad Carlos III de Madrid), especialista en Aprendizaje Interdisciplinar (Universidad de Leeds, UK) y posgrado en Arte y Tecnología (FLASCO, Buenos Aires). Trabaja desde 2009 en el Aula de las Artes de la Universidad Carlos III de Madrid, donde coordina la Plataforma de Arte y Ciencia. Más recientemente, colabora con la Universidad Politécnica de Madrid como metodólogo en el proyecto de espacio público, ciencia y teatro «Es Nuestro» y como comisario y coordinador del proyecto «STEAM con A» de arte y ciencia en institutos en la Red Planea.

Conferencia Magistral

Título: «Hibridación arte, ciencia y tecnología: práctica artística en el espacio público»

Descripción: El binomio arte y ciencia/tecnología es indisoluble desde su génesis, sin embargo, se ha producido una escisión epistemológica entre ambos mundos. El arte y la ciencia tienen objetivos y metodologías diferentes, pero en la complejidad de los retos contemporáneos se requiere de un trabajo coordinado y la capacidad de tender puentes a la hibridación de ambos saberes. Surge, por tanto, la necesidad de crear espacios de diálogo interdisciplinar en el contexto de la educación superior, que por lo general está muy compartimentada. La sociedad digital en la que vivimos requiere que los artistas y los científicos estén entrenados en el diálogo con otros campos del saber. Este desafío se puede afrontar desde el arte como vehículo para dinamizar y vertebrar procesos que, a través de la creatividad y el pensamiento crítico, nos conduzcan a nuevos escenarios en los cuales ampliar las fronteras de nuestras disciplinas.
Hay muchos ejemplos de artistas que han encontrado en la relación con la ciencia y la tecnología una posibilidad poética, estética y narrativa. Una nueva forma de vehicular sus universos o la creación misma de nuevas temáticas e inquietudes.

Durante esta charla veremos varios ejemplos de cómo estás hibridaciones entre arte, ciencia, tecnología y espacio público han ocurrido en el Aula de las Artes de la Universidad Carlos III de Madrid y en la Universidad Politécnica de Madrid. Abordaremos algunos casos de estudio que servirán de inspiración y a través de los cuales iremos conociendo conceptos importantes de estos procesos como la interactividad, la inmersión y el prototipado. Se presentarán diferentes metodologías de acercamiento desde la educación superior al reto de diálogo e hibridación entre artistas y científicos y habrá un conversatorio calmado en el que compartir inquietudes y nuevos imaginarios.

Miércoles 19 de Octubre
Hora 11:30 a. m.
Lugar: Virtual / transmisión en sede Miraflores
Actividad abierta al público en general